Hall d’ingresso

C’è un Picasso al di fuori della pittura. È a questo aspetto poco conosciuto dell’immensa produzione del Maestro di Malaga che si rivolge questa mostra. Il percorso rivela un aspetto importante e poco conosciuto dell’opera di Pablo Picasso: lo spirito creativo che circonda le arti grafiche, la fotografia e la ceramica. Picasso ha una grande stima della novità e dell’apprendimento. Picasso diventa innegabilmente il maestro della sperimentazione, appassionato di innovazione e libertà formale. Le arti grafiche, le ceramiche, la fotografia o l’illustrazione testimoniano questi percorsi di apprendimento che Picasso ama prendere.

Picasso scrive: “Faccio sempre quello che non so fare, per poter imparare a farlo”. Cerca continuamente un modo intelligente per interessarsi all’essenza dell’apprendimento. Certo è che si progredisce facendo sempre meglio e andando oltre ciò che si sa fare. La vera evoluzione sta nel dover affrontare ciò che ci sfugge. È avvicinarsi a tutte quelle cose che non si possono controllare ma che, una volta dominate, promettono di trasformarci. Picasso ha una vasta gamma di forme artistiche e rimane sempre aperto a nuove scoperte e collaborazioni. Così la sua opera si arricchisce non solo di nuove tecniche e nuovi stili, ma anche di nuove forme artistiche.

Destini incrociati

L’esposizione immerge anche nella storia di tre figure emblematiche dell’arte del XX secolo, intimamente legate a Pablo Picasso: Joan Miró, Salvador Dalí e Dora Maar. Le loro vite e le loro opere si sono intrecciate nel corso del secolo, a dispetto degli imprevisti, degli incontri, delle influenze e talvolta delle opposizioni. Tutti hanno lasciato un’impronta profonda nella storia dell’arte moderna, e i loro percorsi, per quanto singolari, rivelano una costellazione affascinante di corrispondenze. Per illuminare il percorso di Picasso, la mostra racconta i loro destini incrociati. Perché tra ammirazione, mutua ispirazione, rivalità artistiche o politiche, queste quattro personalità hanno intrattenuto legami complessi. Scoprirete le loro traiettorie comuni, sia i luoghi in cui hanno creato, che i loro impegni, le loro amicizie o disaccordi, e i temi che hanno condiviso.

Produrre senza sosta

Pablo Picasso aveva un bisogno vitale di creare, un’urgenza quasi fisica di lavorare senza sosta. Per lui, l’atto di creazione non era né un mestiere né una disciplina, ma una necessità interiore, un modo di esistere nel mondo. Disegnare, dipingere, scolpire o incidere scandisce le sue giornate come un respiro continuo. Picasso non cercava l’ispirazione: la provocava con il lavoro, convinto che lo slancio creativo nascesse dal gesto ripetuto e dalla sperimentazione costante. Questa frenesia produttiva, fatta di dubbi, rotture e nuovi inizi, fu il motore della sua opera e una delle chiavi del suo genio.

Per soddisfare questo bisogno essenziale di produzione, Picasso dovrà continuamente alimentare il suo spirito creativo. Dovrà continuamente rinnovare il suo ambiente per suscitare instancabilmente una nuova ispirazione. I suoi molteplici spostamenti, la sua mente tocca tutto, dalla pittura alla ceramica, le sue molteplici conquiste femminili con caratteri così opposti, la varietà dei soggetti, le sue successive rivoluzioni stilistiche sono tutti mezzi per rigenerare la sua creatività e non cadere nella facilità.

Linea temporale

1881: nascita di Pablo Picasso a Málaga. Cresce in un ambiente artistico grazie al padre che insegna disegno.

1895: insediamento familiare a Barcellona. Picasso entra alla scuola di belle arti e mostra già un’eccezionale maestria.

1897-1898: studi a Madrid, dove scopre i grandi maestri al Museo del Prado, ma si allontana rapidamente dall’accademismo.

1900: primo viaggio a Parigi, grande centro artistico.

1901-1904: periodo blu, segnato dalla morte del suo amico Casagemas; dipinti malinconici, dominati dal blu.

1904-1906: periodo rosa; installazione al Bateau-Lavoir, vita da artista a Montmartre, temi del circo e dei saltimbanchi. Inizio della sua relazione con Fernande Olivier (intorno al 1904).

1907: realizzazione delle Demoiselles d’Avignon, opera rivoluzionaria che apre la strada al cubismo.

1908-1912: cubismo analitico sviluppato con Georges Braque; frammentazione delle forme e moltiplicazione dei punti di vista.

1912-1919: cubismo sintetico; invenzione del collage e ritorno del colore e di forme più leggibili. Relazione con Eva Gouel (a partire dal 1912).

1918: matrimonio con Olga Khokhlova; periodo più classico nella sua pittura.

Anni 1920-1930: diversificazione degli stili; figure deformate, influenze surrealiste, tensioni espressive. Incontro e relazione con Marie-Thérèse Walter (dal 1927).

1936-1943: relazione con Dora Maar, che documenta in particolare la creazione di Guernica.

1937: realizzazione di Guernica per l’Esposizione universale di Parigi; opera maggiore contro la guerra.

1940-1944: rimase a Parigi durante l’occupazione tedesca, periodo difficile ma sempre creativo.

1943-1953: relazione con Françoise Gilot.

1946: installazione nel sud della Francia, in particolare ad Antibes; nuova luce nella sua opera.

1948-1955: lavoro a Vallauris, collaborazione con lo studio Madoura (Suzanne Ramié); sviluppo importante della ceramica.

1953-1973: relazione con Jacqueline Roque, che sposò nel 1961.

Anni 1950-1960: numerose variazioni attorno ai grandi maestri (Velázquez, Manet…), pittura libera e inventiva.

1961: trasferimento a Mougins con Jacqueline Roque, sua ultima compagna.

1973: morte di Picasso a Mougins, lasciando un’opera immensa che ha profondamente trasformato la storia dell’arte.

LIVELLO 0 – piano terra

Picasso e le donne

I rapporti di Picasso con le donne sono spesso segnati da dinamiche psicologiche complesse. Egli vi proietta le proprie lotte. Alterna continuamente amore e sofferenza. Picasso esplora contemporaneamente i temi della passione e del dolore amoroso.

Picasso moltiplicerà le relazioni femminili: Fernande Olivier, Olga Khokhlova, Marie-Thérèse Walter, Dora Maar, Françoise Gilot, Jacqueline Roque per citarne alcune. Motori della sua creatività, i suoi incontri gli permettono di sviluppare un’estetica ogni volta rinnovata. Le sue diverse fasi stilistiche, dal cubismo ai periodi più astratti, mostrano una ricerca costante di cogliere l’essenza femminile. Da sua madre alle sue mogli e compagne, ogni donna avrà un ruolo unico nel plasmare la sua arte e la sua identità. Il loro impatto va oltre l’ispirazione, sono state partner creativi. Queste donne hanno alimentato la sua creatività, le hanno permesso di esplorare nuovi percorsi artistici e hanno lasciato un’impronta indelebile sulla sua opera.

A differenza di Miró e Dalí, la donna per Pablo Picasso è una fonte di ispirazione che si esaurisce, e un oggetto che si maltratta, che si domina. Picasso nasconde un lato oscuro. Quella di un uomo manipolatore, crudele e violento con chi lo circonda, e in particolare con le donne che hanno condiviso la sua vita. La vita di Picasso è caratterizzata da conquiste e atti di grande brutalità.

Picasso stesso si associava all’immagine di un minotauro, mostruoso e selvaggio, che dominava le donne intorno a lui. Nella mitologia greca, il minotauro è un mostro favoloso con corpo di uomo e testa di toro, rinchiuso da Minosse nel labirinto. Il minotauro è una figura ricorrente nella sua opera, così come le uccisioni di tori durante le corride. Il mostro mitico è sempre rappresentato avendo la meglio su una donna. Dipinge quindi la violenza e la crudeltà che infligge alle sue compagne. Ma cerca anche di distruggere le loro potenziali carriere artistiche. Fernande e la sua professione di modella, Olga e la danza classica, Dora e la fotografia, Françoise e la pittura. Quest’ultima scriverà: “quando ho cominciato ad avere successo, ne ha preso ombra.”

Dora Maar

Pablo Picasso incontra Dora Maar nel 1935, grazie al poeta surrealista Paul Éluard. La presenza di Dora, intellettuale, spirituale, misteriosa e profondamente surrealista, cattura immediatamente l’interesse di Picasso. Donna estremamente indipendente e politicamente impegnata, fotografa riconosciuta nella cerchia dei surrealisti, Dora è vicina a Man Ray, Brassaï e André Breton. Dal momento in cui incontrarono, Picasso fu affascinato dalla sua vivacità e dal suo talento artistico. Lei gli offre qualcosa di radicalmente diverso: una profondità emotiva e un’intensa connessione intellettuale. La relazione con Dora Maar è fondente, mescolando passione, dolore e intensità creativa. Ha avuto profonde ripercussioni sulla loro arte, la loro psicologia e le rispettive identità. Dora Maar fotografa regolarmente il processo creativo di Picasso, in particolare durante l’esecuzione di Guernica.

Dora è fonte di ispirazione intellettuale e collaboratrice creativa. A differenza delle sue compagne precedenti, che erano spesso semplici modelli o spettatori passivi, Dora possiede uno spirito creativo pari a quello di Picasso. Lei diventa la sua “musa” preferita, ma lui non ha lasciato Maria Teresa. Picasso conduce una doppia vita, che non si preoccupa nemmeno di nascondere, non esitando a portare entrambe in vacanza, una in un hotel, l’altra in un altro, e concedendo a ciascuna alcuni giorni della settimana.

Poco a poco, Picasso fa di Dora Maar la sua cosa, la manipola, l’isola, tanto che smette di fotografare. Per Dora, il pittore avrà queste parole dure: “Tu non mi attrai, io non ti amo. O meglio se, come amo un uomo.” Oggi si sospetta che l’abbia picchiata. Picasso la umiliava quotidianamente, la picchiava e a volte fino a farla perdere conoscenza. Dora Maar è relegata a un ruolo di semplice musa. Eppure è un’artista eccezionale a pieno titolo.

La loro relazione ha rivelato aspetti complessi delle loro vite, che riguardano sia la creazione che la distruzione. Dora finì per essere internata a causa della violenza psicologica inflitta da Picasso, e morì reclusa nel 1997.

Madoura

Suzanne e Georges Ramié sono nel 1938 i fondatori e gli animatori dell’atelier Madoura a Vallauris. Fin dall’inizio, hanno dato allo studio un orientamento singolare, basato sull’eccellenza tecnica, la modernità delle forme e l’apertura agli artisti contemporanei. Dopo l’interruzione dovuta alla seconda guerra mondiale, la Madoura conobbe una svolta decisiva a partire dal 1946, quando Pablo Picasso si trasferì a Vallauris e iniziò a lavorare la ceramica all’interno dello studio.

Suzanne Ramié svolge un ruolo centrale in questa avventura: ceramista, tecnica e vera direttrice d’orchestra del laboratorio. Accompagna gli artisti nella messa a punto delle forme, degli allestimenti e delle preparazioni culinarie, traducendo le idee in soluzioni concrete. Georges Ramié, storico dell’arte e amministratore, assicura la strutturazione, la diffusione e il riconoscimento istituzionale di Madoura, curando l’edizione, la firma e la commercializzazione delle opere.

Madoura diventa un laboratorio creativo dove dialogano artisti e artigiani come Picasso, ma anche Chagall, Miró, Braque, Matisse, Derval, Capron, Picault e molti altri. Il laboratorio impone una nuova visione della ceramica, liberata dalle gerarchie tra arte maggiore e arte decorativa, e svolge un ruolo determinante nel riconoscimento internazionale della ceramica contemporanea nel XX secolo.

Suzanne Ramié

Picasso incontra Georges e Suzanne Ramié nel 1946 a Vallauris in occasione di una mostra. Apprezza il lavoro di Suzanne Ramié sulle forme tradizionali. Lei distoglie parti utilitarie che gli servono come supporto. È un campo di sperimentazione nuovo per Picasso che lavorerà sia sugli smalti dipinti che sulla dimensione plastica della ceramica. Picasso lavora direttamente su pezzi modellati da Suzanne Ramié che li vende anche a suo nome, generalmente ricoperti da un sottile mix di smalti dello stesso tono.

A partire da una bomboletta creata da Suzanne Ramié, Picasso inventa un grande insetto blu. Da vasi pansus a due manici, crea un uccello o una maschera faunistica. In una padella, inscrive un volto ribassato. In piatti rotondi tipici del Mediterraneo, dipinge un sole, una gupia. Per creare questi decori, a volte utilizza pezzi di scarto del laboratorio. Recupera anche frammenti di tessera di cui fa dei frammenti “archeologici”. La corrida è un argomento importante. Picasso dipinge arene su piatti rotondi e dà una dinamica vorticosa alla scena. Tra il 1947 e il 1971, Picasso realizzò più di 3.500 opere in terra battuta e numerose opere multiple.

Jules Agard

A partire dal 1947, Picasso lavora regolarmente in officina e ha bisogno di un tornitore dedicato. Agard ottiene naturalmente il posto. Rimarrà 22 anni “il tornitore di Picasso”. Collaboratore discreto ma essenziale, Agard interviene nell’implementazione tecnica di alcune ceramiche e pezzi legati alla produzione del laboratorio. A Madoura, Picasso non si limita a decorare forme esistenti. Trasforma i volumi, distoglie gli usi e spinge i materiali fino ai loro limiti. Il ruolo di Jules Agard, come quello di altri artigiani del laboratorio, consiste allora nel tradurre questa inventiva a volte brutale in oggetti cotti, solidi e riproducibili, senza attenuarne la forza plastica. Questa collaborazione illustra perfettamente il metodo di Picasso a Vallauris: un lavoro collettivo, basato sul dialogo, in cui l’artigiano diventa un vero partner creativo al servizio di un’opera in costante reinvenzione.

Jules Agard lascia Madoura nel 1970 e si dedica fino alla fine della sua vita ad una produzione personale all’interno della Poterie des Noisetiers, nella campagna vallauriana.

Robert Picault

Amico intimo di Picasso, Robert Picault è uno degli attori fondamentali del rinnovamento della ceramica del dopoguerra nella regione e si colloca al centro dell’avventura ceramica di Vallauris. A partire dal 1946, Picault svolge un ruolo decisivo nell’introdurre Picasso nel mondo dei ceramisti vallauresi e nel facilitare il suo incontro con Suzanne e Georges Ramié, fondatori dello studio Madoura. Fotografo di talento, Robert Picault realizzò numerosi scatti delle ceramiche di Picasso, illustrando così questo nuovo campo di sperimentazione, mescolando forma, disegno e materia.

Oltre a questo ruolo di intermediario, Robert Picault condivide con Picasso un gusto comune per la libertà formale, l’umorismo e la trasgressione degli usi tradizionali. Picault, lui stesso un ceramista inventivo, partecipa all’effervescenza collettiva di Vallauris, dove artisti e artigiani lavorano in un clima di emulazione permanente. La presenza di Picault contribuisce a creare un ambiente propizio all’esplorazione, in cui Picasso può appropriarsi delle tecniche ceramiche senza vincoli accademici. Questa relazione, fondata sull’amicizia e la fiducia, illustra come l’opera ceramica di Picasso sia indissociabile dalla rete umana ed artistica di Vallauris.

Jean Derval

Jean Derval occupa un posto importante nella storia dello studio Madoura a Vallauris, dove arriva nel 1947, proprio quando Pablo Picasso vi sviluppa la sua opera in ceramica. Nel laboratorio diretto da Suzanne e Georges Ramié, Derval partecipa pienamente all’effervescenza creativa che rende Madoura un luogo unico di collaborazione tra artisti e artigiani.

Picasso e Jean Derval non collaborano direttamente insieme sugli stessi pezzi, ma di un lavoro fianco a fianco, basato sull’osservazione, il dialogo e l’emulazione. Derval, con il suo senso del volume, del colore e della cottura, contribuisce alla qualità e all’inventiva della produzione dell’atelier, mentre Picasso stravolge gli usi e le gerarchie della ceramica. La loro presenza simultanea a Madoura rappresenta un momento eccezionale in cui il savoir-faire artigianale e l’invenzione artistica si incontrano. Da Madoura, Derval sviluppa un linguaggio personale basato sulla stilizzazione delle forme, l’espressività dell’arredamento e un uso audace del colore e degli smalti.

Jean Derval lascia Madoura nel 1949 per sviluppare un’attività indipendente, pur rimanendo ancorato all’ambiente vallauriano. Il suo soggiorno a Madoura si inserisce in un periodo decisivo della sua carriera, che lo renderà una delle figure più significative della ceramica di Vallauris.

Dominique Sassi

Dominique Sassi ha avuto l’immenso privilegio di iniziare la sua carriera a 18 anni presso lo studio Madoura a Vallauris nel 1954. Fa parte di questa generazione di artigiani ceramisti che partecipano attivamente al funzionamento quotidiano di Madoura durante il periodo di lavoro di Pablo Picasso. Parteciperà soprattutto allo sviluppo delle edizioni dell’atelier sotto la direzione di Suzanne e Georges Ramié. Il ruolo di Dominique Sassi è essenzialmente tecnico e operativo: lavorazione, preparazione della pasta, interventi sulla cottura e monitoraggio degli smalti. A quel tempo, Madoura funzionava come un laboratorio collettivo altamente specializzato, dove ogni artigiano possedeva un know-how preciso al servizio di forme spesso sperimentali. La presenza di Picasso impone un’esigenza particolare: modifiche tardive, riprese dopo la cottura, variazioni di smalto o di decorazione. Gli artigiani come Sassi assicurano la fattibilità materiale di queste ricerche, in un dialogo costante tra invenzione artistica e vincoli tecnici. Il lavoro di Dominique Sassi si inserisce pienamente nella catena di produzione che permette la realizzazione delle ceramiche originali e delle edizioni Picasso dei primi anni ’50.

Litografia

La litografia occupa un posto essenziale nell’opera di Pablo Picasso, perché gli permette di esplorare un modo di disegnare allo stesso tempo libero, diretto e sperimentale. Questa tecnica, inventata alla fine del XVIII secolo, si basa sul principio della repulsione tra l’acqua e il grasso. L’artista disegna su una pietra calcarea con una matita grassa o inchiostro, poi l’immagine viene stampata su carta. A differenza dell’incisione, la litografia permette un gesto molto simile al disegno, quasi spontaneo, che corrisponde perfettamente all’energia creativa di Picasso.

Picasso si dedicò in particolare a partire dagli anni ’40, soprattutto grazie alla sua collaborazione con lo stampatore Fernand Mourlot a Parigi. Nel laboratorio di Mourlot, scopre tutte le possibilità della tecnica e spinge i suoi limiti. Non si limita ad utilizzare la litografia come semplice mezzo di riproduzione, ma la trasforma in un vero e proprio terreno di sperimentazione. Lavora direttamente sulla pietra, modifica l’immagine in corso di realizzazione, stampa diversi stati successivi della stessa composizione, il che permette di seguire passo dopo passo l’evoluzione del suo lavoro. La litografia diventa così uno strumento di analisi visiva tanto quanto un mezzo di espressione.

Nelle sue litografie, Picasso gioca con i contrasti tra bianco e nero, la linea e la superficie, il pieno e il vuoto. Sfrutta anche la possibilità di moltiplicare gli esemplari, il che permette una diffusione più ampia della sua opera, pur mantenendo un’elevata qualità artistica. Attraverso questa tecnica, dimostra ancora una volta la sua capacità di rinnovare le pratiche tradizionali e di farne forme moderne, libere e inventive.

Fernand Mourlot

A partire dal 1945, Pablo Picasso si interessa alla litografia. Nel corso di quest’anno incontra Fernand Mourlot, maestro tipografo litografo parigino che gli insegna le regole del mestiere. Come ogni genere artistico che pratica, Picasso segna la litografia della sua impronta personale. Franck Bordas, nipote di Mourlot, testimonia: «In pochi mesi di presenza quasi quotidiana presso il suo tipografo, Pablo Picasso ha completamente modernizzato la litografia, una tecnica che era abbastanza classica. La sera a casa sua faceva dei lavori di trasferimento, durante il giorno lavorava le pietre. Ha anche lavorato su scisti. In fondo sfruttava tutte le tecniche della litografia con invenzioni che spaventavano i tecnici ma funzionavano». La famosa Colomba della Pace è una litografia che è stata realizzata su zinco e lavorata a petrolio, un prodotto totalmente vietato in litografia.

Nelle sue litografie, Picasso usa tutte le sfumature di nero per dare una consistenza psicologica ai suoi modelli. Utilizza tutte le intensità, dallo sfondo completamente colorato che fa risaltare leggermente il disegno al semplice colpo di matita destinato a disegnare un volto o una forma. Le sfumature di nero offrono a Picasso tante possibilità quanto i colori. Pierre Daix parla di “pittura incisa”.

LIVELLO 2 STRUTTURA

Madoura

Joan Miró ha lavorato anche presso la bottega Madoura. Vi lavorerà in modo occasionale e molto limitato, senza stabilirsi stabilmente come Picasso. Alla fine degli anni ’40, nell’ambito dell’apertura dello studio agli artisti moderni da parte di Suzanne e Georges Ramié, realizzò alcune prove. Queste esperienze rimangono marginali nella sua opera. Per Miró, Madoura è un luogo di esplorazione, non un laboratorio centrale. Si interessa soprattutto per il rapporto diretto con la materia, gli smalti e il fuoco, in risonanza con il suo linguaggio plastico fatto di segni, simboli e forme elementari. Successivamente, Miró sviluppò la ceramica in collaborazione con Josep Llorens Artigas, soprattutto a Gallifa e poi a Barcellona, una collaborazione che divenne fondamentale nella sua opera monumentale.

Per Miró e Dalí, la ceramica non è mai stata un semplice artigianato decorativo. Attraverso la terra, il fuoco e lo smalto, trovano gli elementi primi, quelli che amano domare per imporre loro le loro visioni. Collaborando sin dagli anni ’40 con ceramiche in Spagna e in Francia, essi hanno deviato le forme tradizionali, piatti, vasi, piastrelle, iniettandovi i loro motivi ricorrenti: simboli onirici per Miró, orologi morbidi, volti ambigui, e simboli religiosi alterati per Dalí.

Franco

La relazione tra Pablo Picasso e il regime di Franco è caratterizzata da una radicale opposizione. Profondamente ostile al franchismo dopo la guerra civile spagnola, Picasso si rifiuta di tornare a vivere in Spagna finché Franco è al potere. Esiliato in Francia, Picasso diventa una figura simbolica della Spagna repubblicana sconfitta. Fino alla sua morte nel 1973, ha mantenuto una distanza intransigente con il regime franchista, facendo della sua arte uno spazio di resistenza morale e simbolica.

Guernica denuncia in bianco e nero il bombardamento nazista della piccola città basca. I simboli spagnoli tradizionali sono numerosi. Il toro e il cavallo evocano una corrida metaforica. Picasso si rifiuta categoricamente di tornare in Spagna finché Franco è vivo. Egli dichiara che la “pittura non è fatta per decorare gli appartamenti; è un’arma offensiva e difensiva contro il nemico”. Il regime franchista tentò tuttavia la sua ripresa postuma, organizzando mostre nonostante le sue convinzioni antifrancoiste.

Miró simboleggia la resistenza silenziosa. Nel 1937, crea El Segador per il Padiglione spagnolo dell’Esposizione universale. È un contadino catalano in rivolta con falce e cappello tradizionale, vera metafora della resistenza popolare. Miró visse un “esilio interno” a Maiorca durante il periodo franchista. La sua Catalogna era “doppiamente colpita”. La lingua catalana era vietata e l’autonomia politica soppressa. Miró mantenne un impegno antifranchista discreto ma costante.

A differenza di Picasso e Miró, Dalí sarà il collaboratore controverso e assunto. Dichiara pubblicamente che Franco è il “più grande eroe vivente della Spagna”. Dalí fu ricevuto personalmente al palazzo nel 1956, e decorato con la Grande Croce di Isabella la Cattolica nel 1964. Piangerà la morte del dittatore nel 1975 “più di quanto abbia pianto per sua madre”. È l’illustrazione della sua fascinazione metafisica per le “figure mitiche” del potere assoluto, al di là delle considerazioni morali convenzionali.

Roger Lacourière e Aldo Crommelynck

Tra il 1899 e il 1973, Picasso realizzò più di 2.000 incisioni utilizzando tecniche diverse. L’incisione svolge un ruolo essenziale nello sviluppo dell’arte pittorica di Picasso. Tutti i temi che ama dipingere si trovano nelle sue incisioni: l’impulso dell’amore, la famiglia, il riferimento ai grandi maestri, il pittore e il suo modello nello studio, l’illustrazione di opere poetiche, i personaggi mitologici, i ritratti… Per lui, incidere è come tenere un diario in cui si possono seguire i propri pensieri, le proprie evoluzioni e le proprie opinioni.

Pablo Picasso lavorerà prima con Roger Lacourière. Il loro incontro segna una svolta decisiva nella storia dell’incisione nel XX secolo. Dall’inizio degli anni ’30, nello studio di Lacourière a Parigi, Picasso trova un partner tecnico in grado di soddisfare il suo bisogno incessante di sperimentazione. Insieme, esplorano con una libertà eccezionale l’acqua forte, la punta secca, l’acquatinina e soprattutto la tecnica dello zucchero, che Lacourière perfeziona e mette al servizio dell’invenzione picassiana. La Suite Vollard costituisce uno dei punti salienti di questa collaborazione, rivelando un’incisione al tempo stesso sensuale, violenta e profondamente meditativa.

Dopo la scomparsa di Roger Lacourière nel 1966, questo rapporto di fiducia e know-how si prolunga con la trasmissione ad Aldo Crommelynck, che riprende l’atelier e diventa uno degli ultimi grandi interlocutori tecnici di Picasso. Con Crommelynck, Picasso spinge ancora oltre l’esigenza del lavoro sulla piastra, moltiplicando gli stati, i pentimenti e le variazioni, soprattutto nelle grandi sequenze incise della fine della sua vita. Questa continuità tra Lacourière e Crommelynck illustra la fedeltà di Picasso agli artigiani d’eccezione, senza i quali la sua opera incisa non avrebbe raggiunto una tale intensità e modernità.

André Breton

Nel 1924, Breton lancia un pavé nella mare artistica con il Manifesto del surrealismo. “Il surrealismo è la magica sorpresa di trovare un leone in un armadio”, diceva Frida Kahlo. André Breton e Pablo Picasso hanno una relazione complessa, fatta di reciproca ammirazione, vicinanza intellettuale e tensioni. Breton vedeva in Picasso un genio rivoluzionario, capace di stravolgere forme e convenzioni. Lo considera un alleato naturale dello spirito surrealista, anche se Picasso non si è mai ufficialmente unito al movimento. Negli anni ’20 e ’30, i loro scambi sono alimentati da una comune fascinazione per l’inconscio, il mito, l’erotismo e la metamorfosi delle figure. Breton scrive diversi testi elogiativi su Picasso, in particolare sottolineando il potere poetico e sovversivo della sua opera. Tuttavia, la loro relazione rimane segnata dalla feroce indipendenza di Picasso, riluttante a qualsiasi disciplina di gruppo, il che contribuisce ad una distanza duratura tra il pittore e il leader del surrealismo.

Miró disegna le sue allucinazioni dirette. Letteralmente. Deliberatamente affamato, vede creature strane e le dipinge: stelle pazze, uccelli mutanti, scale che portano verso il nulla… «Voglio assassinare la pittura», dice. Missione compiuta. Sviluppa un vocabolario plastico personale di segni semi-astratti che costituiscono un ponte tra l’inconscio individuale e quello collettivo.

Da Dalí, la sua follia si coltiva metodicamente. Il suo “metodo paranoico-critico”? Diventare pazzi su ordinazione per creare. Un camembert che si scioglie al sole diventa i suoi mitici orologi morbidi. Dal genio allo stato grezzo, rende “tangibile il mondo stesso del delirio sul piano della realtà.”

Dora Maar rivoluziona la fotografia surreale. I suoi fotomontaggi creano mondi impossibili in cui un semplice tatuaggio fotografato diventa creatura di terrore nel suo Ritratto di Ubu. Padroneggia lo studio di moda e le relazioni sociali, trasformando l’obiettivo in un occhio dell’inconscio.

L’arte di creare liberamente

I surrealisti hanno aperto la strada alla ricerca della semplicità del gesto creativo. Affascinante paradosso tra tecnica complessa e spontaneità brutale, ogni artista sviluppa il suo metodo personale.

In Picasso, si osserva un’alchimista multi-tecnica. Di fronte all’argilla di Vallauris, egli pizzica, aggiunge, si metamorfosa: una brocca diventa un gufo, un vaso si trasforma in donna. “Non cerco, trovo”, scrive. Maestro della trasversalità assoluta, passa dalla tela alla ceramica, dalla scultura al collage. Nessuna frontiera tecnica gli si oppone. Le sue trasformazioni ceramiche rivelano questa immediatezza primitiva ritrovata. Un pizzico per il naso, le manopole diventano orecchie, gesto minimo, impatto massimo sulla percezione dello spettatore.

Dora Maar, la pioniera della sperimentazione fotografica, trasforma il suo laboratorio in cucina sperimentale con Brassaï rue Campagne-première. Padroneggia la solarizzazione, gli angoli drammatici, le inquadrature inaspettate. Il suo apparecchio diventa “specchio senza talento” che rivela l’inconscio. Dal ritratto di moda al reportage sociale brutale, vuole rivoluzionare ogni genere fotografico.

Per Miró, è l’automatismo allucinato che predomina. Disegna “quasi interamente a partire da allucinazioni” talvolta intenzionalmente accentuate dalla fame! Sviluppa un vocabolario cosmico di stelle e uccelli mutanti. Miró è la spontaneità gestuale pura, senza filtro razionale, accesso diretto alla creazione.

Per Dalí, il delirio è fatto di precisione e meticolosità. Il suo “metodo paranoico-critico” combina la spontaneità irrazionale con un’esecuzione estremamente minuziosa. Applica glaciali successivi per accentuare il delirio “la stessa evidenza oggettiva”. Le sue “doppie immagini” disturbano la percezione senza modifiche figurative, creando enigmi visivi permanenti. Il semplice gesto libera, apre mille porte verso l’inconscio.

André Villers

Fotografo dilettante, Picasso è comunque affascinato dalla fotografia e anche qui influenzerà lo sviluppo e le applicazioni di quest’arte. Collaborerà con i fotografi Man Ray, Dora Maar, Brassaï e Gjion Mili per esplorarne il potenziale.

Ma il più grande progetto fotografico di Picasso verrà realizzato dopo l’incontro con André Villers. Picasso incontra il fotografo a Vallauris nel 1953. André Villers soggiorna per otto anni nel sanatorio del villaggio per riprendersi da una grave malattia. È durante questo periodo che diventa un fotografo professionista di talento.

Villers incontra Picasso mentre sta scattando foto del villaggio e dei suoi abitanti. All’epoca, Picasso mescolava l’arte classica della ceramica con radicali innovazioni scultoree. La situazione del giovane fotografo commuove il maestro. Gli offre la sua prima macchina fotografica Rolleiflex e le propone di fare con lui un esperimento fotografico su larga scala: «Dovremmo fare qualcosa insieme. Taglierò dei personaggi e voi scatterete delle foto. Dovete accentuare l’ombra con il sole. “Dovete fare migliaia di foto.”

Per dieci anni si svilupperà poi un processo discreto fatto di tagli e montaggi, foto, trasferimenti, interpretazioni e fotogrammi.

Dora Maar è una fotografa famosa prima di essere la musa di Picasso! Ha aperto il suo studio nel 1931 dopo una formazione alla Scuola tecnica di fotografia di Parigi. Collabora con Brassaï e poi Man Ray, condividendo tecniche e scoperte. Inventa il fotomontaggio delirante. Il suo Main-Coquillage del 1934 mescola erotismo e mistero. Una mano manucurata esce da una conca in un contesto minuziosamente composto, evocando Venere e i suoi misteri. Si rifiuterà sempre di rivelare la vera natura del suo Ritratto di Ubu, un feto di tatù o altra creatura. Usa angoli drammatici, inaspettati inquadrature, creando mondi surreali.

Dalí si interessò molto presto anche alla fotografia. I suoi primi collage combinano pittura ed elementi fotografici, creando “ossessioni” visive in Illumined Pleasures del 1929. Ha fatto soprattutto una collaborazione leggendaria con Philippe Halsman per Dalí Atomicus nel 1948. Questa opera magistrale richiederà 26 tentativi, gatti volanti e acqua proiettata per catturare l’essenza atomica surreale. L’obiettivo trasforma la vita quotidiana in qualcosa di meraviglioso.