Entreehal

Er is een Picasso buiten de schilderkunst. Deze tentoonstelling richt zich op dit onbekende aspect van het enorme oeuvre van de Meester uit Málaga. De tentoonstelling onthult een belangrijk en onbekend facet van het werk van Pablo Picasso: de creatieve geest rond grafische kunst, fotografie en keramiek. Picasso heeft veel waardering voor vernieuwing en het leerproces. Picasso wordt onmiskenbaar de meester van het experimenteren, een liefhebber van innovatie en formele vrijheid. De grafische kunsten, keramiek, fotografie en illustratie getuigen van deze leertrajecten die Picasso zo graag bewandelt.

Picasso schrijft: “Ik doe altijd wat ik niet kan, om te leren hoe ik het moet doen”. Hij zoekt voortdurend naar een intelligente manier om zich te verdiepen in de essentie van het leren. Het staat vast dat we vooruitgang boeken door het steeds beter te doen en verder te gaan dan wat we al kunnen. De ware evolutie schuilt in het feit dat we worden geconfronteerd met wat ons ontgaat. Het is dichter bij al die dingen komen die we niet kunnen beheersen, maar die, eenmaal onder de knie, ons beloven te transformeren. Picasso beoefent talrijke kunstvormen en staat altijd open voor nieuwe ontdekkingen en nieuwe samenwerkingen. Zo wordt zijn oeuvre niet alleen verrijkt met nieuwe technieken en stijlen, maar ook met nieuwe kunstvormen.

Kruisende lotgevallen

De tentoonstelling duikt ook in de geschiedenis van drie iconische figuren uit de 20e-eeuwse kunst, die nauw verbonden waren met Pablo Picasso: Joan Miró, Salvador Dalí en Dora Maar. Hun levens en hun werk raakten in de loop van de eeuw met elkaar verweven, door toeval, ontmoetingen, invloeden en soms ook tegenstellingen. Ze hebben allemaal een diepe stempel gedrukt op de geschiedenis van de moderne kunst, en hun loopbanen, hoewel uniek, onthullen een fascinerende constellatie van overeenkomsten. Om het parcours van Picasso te verduidelijken, vertelt de tentoonstelling u over hun gekruiste lotgevallen. Want tussen bewondering, wederzijdse inspiratie, artistieke of politieke rivaliteit onderhielden deze vier persoonlijkheden complexe banden. U ontdekt hun gemeenschappelijke trajecten, zowel de plaatsen waar ze creëerden, als hun engagementen, hun vriendschappen of meningsverschillen, en de thema’s die ze deelden.

Onophoudelijk produceren

Pablo Picasso had een vitale behoefte om te creëren, een bijna fysieke drang om onophoudelijk te werken. Voor hem was het scheppen geen beroep of discipline, maar een innerlijke noodzaak, een manier om in de wereld te bestaan. Tekenen, schilderen, beeldhouwen of graveren gaven ritme aan zijn dagen als een ononderbroken ademhaling. Picasso zocht geen inspiratie: hij lokte die uit door te werken, in de overtuiging dat de creatieve impuls voortkwam uit herhaalde handelingen en voortdurend experimenteren. Deze productieve drang, bestaande uit twijfels, breuken en nieuwe begin, was de drijfveer van zijn werk en een van de sleutels tot zijn genialiteit.

Om aan deze essentiële behoefte aan creatie te voldoen, moest Picasso zijn creatieve geest voortdurend voeden. Hij moest zijn omgeving steeds vernieuwen om onvermoeibaar nieuwe inspiratie op te wekken. Zijn vele verhuizingen, zijn veelzijdige geest die zich met alles bezighield, van schilderkunst tot keramiek, zijn vele vrouwelijke veroveringen met zulke tegengestelde karakters, de verscheidenheid aan onderwerpen en zijn opeenvolgende stilistische revoluties waren allemaal middelen om zijn creativiteit te vernieuwen en niet in gemakzucht te vervallen.

1881: geboorte van Pablo Picasso in Málaga. Hij groeit op in een artistieke omgeving dankzij zijn vader, die tekenleraar is.

1895: het gezin vestigt zich in Barcelona. Picasso gaat naar de kunstacademie en toont al een uitzonderlijk talent.

1897–1898: studie in Madrid, waar hij de grote meesters ontdekt in het Prado, maar zich al snel afkeert van het academisme.

1900: eerste reis naar Parijs, een belangrijk artistiek centrum.

1901–1904: blauwe periode, gekenmerkt door de dood van zijn vriend Casagemas; melancholische schilderijen, gedomineerd door blauw.

1904–1906: roze periode; vestiging in Le Bateau-Lavoir, kunstenaarsleven in Montmartre, thema’s als het circus en de straatartiesten. Begin van zijn relatie met Fernande Olivier (rond 1904).

1907: voltooiing van Les Demoiselles d’Avignon, een revolutionair werk dat de weg baant voor het kubisme.

1908–1912: analytisch kubisme, ontwikkeld samen met Georges Braque; fragmentatie van vormen en vermenigvuldiging van gezichtspunten.

1912–1919: synthetisch kubisme; uitvinding van de collage en terugkeer van kleur en beter leesbare vormen. Relatie met Eva Gouel (vanaf 1912).

1918: huwelijk met Olga Khokhlova; meer klassieke periode in zijn schilderkunst.

Jaren 1920–1930: diversificatie van stijlen; vervormde figuren, surrealistische invloeden, expressieve spanningen. Ontmoeting en relatie met Marie-Thérèse Walter (vanaf 1927).

1936–1943: relatie met Dora Maar, die met name het ontstaan van Guernica vastlegt.

1937: voltooiing van Guernica voor de Wereldtentoonstelling in Parijs; belangrijk werk tegen de oorlog.

1940–1944: blijft in Parijs tijdens de Duitse bezetting, een moeilijke maar nog steeds creatieve periode.

1943–1953: relatie met Françoise Gilot.

1946: vestiging in Zuid-Frankrijk, met name in Antibes; nieuw licht in zijn werk.

1948–1955: werk in Vallauris, samenwerking met het atelier Madoura (Suzanne Ramié); belangrijke ontwikkeling van de keramiek.

Jaren 1950–1960: talrijke variaties op de grote meesters (Velázquez, Manet…), vrije en inventieve schilderkunst.

1961: vestiging in Mougins met Jacqueline Roque, zijn laatste partner.

1973: overlijden van Picasso in Mougins, waarbij hij een immens oeuvre achterlaat dat de kunstgeschiedenis ingrijpend heeft veranderd.

NIVEAU 0 – begane grond

Picasso en de vrouwen

Picasso’s relaties met vrouwen worden vaak gekenmerkt door complexe psychologische dynamieken. Hij projecteert er zijn eigen worstelingen op. Hij schommelt voortdurend tussen liefde en lijden. Picasso verkent tegelijkertijd de thema’s van passie en liefdesverdriet.

Picasso zal steeds meer relaties met vrouwen aangaan: Fernande Olivier, Olga Khokhlova, Marie-Thérèse Walter, Dora Maar, Françoise Gilot, Jacqueline Roque, om de belangrijkste te noemen. Zijn ontmoetingen waren de drijfveer voor zijn creativiteit en stelden hem in staat telkens weer een vernieuwde esthetiek te ontwikkelen. Zijn verschillende stijlfasen, van het kubisme tot de meer abstracte periodes, getuigen van een voortdurende zoektocht naar de vrouwelijke essentie. Van zijn moeder tot zijn echtgenotes en partners, elke vrouw speelde een unieke rol in de vorming van zijn kunst en identiteit. Hun invloed reikt verder dan louter inspiratie. Ze waren creatieve partners. Deze vrouwen voedden zijn creativiteit, stelden hem in staat nieuwe artistieke wegen te verkennen en hebben een onuitwisbare stempel op zijn oeuvre gedrukt.

In tegenstelling tot Miró en Dalí is de vrouw voor Pablo Picasso een inspiratiebron die men uitput, en een object dat men mishandelt en domineert. Picasso verbergt namelijk een duistere kant. Die van een man die manipulatief, wreed en gewelddadig is tegenover zijn omgeving, en in het bijzonder tegenover de vrouwen die zijn leven hebben gedeeld. Het leven van Picasso wordt gekenmerkt door veroveringen en daden van grote brutaliteit.

Picasso associeerde zichzelf met het beeld van een minotaurus, monsterlijk en wild, die de vrouwen om hem heen domineerde. In de Griekse mythologie is de minotaurus een fabelachtig monster met het lichaam van een man en het hoofd van een stier, dat door Minos in het labyrint werd opgesloten. De minotaurus is een terugkerend figuur in zijn werk, net als het doden van stieren tijdens stierengevechten. Het mythische monster wordt altijd afgebeeld terwijl het de overhand heeft op een vrouw. Hij schildert dus het geweld en de wreedheid die hij zijn partners aandoet. Maar hij doet ook zijn uiterste best om hun potentiële artistieke carrières te vernietigen. Fernande en haar werk als model, Olga en de klassieke dans, Dora en de fotografie, Françoise en de schilderkunst. Deze laatste schreef: “toen ik succes begon te krijgen, nam hij daar aanstoot aan.”

Dora Maar

Pablo Picasso ontmoet Dora Maar in 1935, dankzij de surrealistische dichter Paul Éluard. De aanwezigheid van Dora, intellectueel, spiritueel, mysterieus en diep surrealistisch, wekt onmiddellijk de interesse van Picasso. Dora is een uiterst onafhankelijke en politiek geëngageerde vrouw, een erkend fotografe in de kring van de surrealisten, en staat dicht bij Man Ray, Brassaï en André Breton. Vanaf hun ontmoeting is Picasso gefascineerd door haar scherpe geest en haar artistieke talent.
Zij biedt hem iets radicaal anders: emotionele diepgang en een intense intellectuele band. De relatie met Dora Maar is symbiotisch en vermengt passie, pijn en creatieve intensiteit. Ze heeft een diepgaande invloed gehad op hun kunst, hun psychologie en hun respectieve identiteiten. Dora Maar fotografeert ook regelmatig het creatieve proces van Picasso, met name tijdens de uitvoering van Guernica.

Dora is een bron van intellectuele inspiratie en een creatieve medewerkster. In tegenstelling tot zijn eerdere partners, die vaak louter modellen of passieve toeschouwers waren, bezit Dora een creatieve geest die gelijkwaardig is aan die van Picasso. Ze wordt zijn favoriete ‘muze’, maar hij heeft Marie-Thérèse daarom nog niet verlaten. Picasso leidt een dubbelleven, dat hij niet eens de moeite neemt te verbergen, en aarzelt niet om hen allebei mee op vakantie te nemen, de ene in het ene hotel, de andere in het andere, en hen elk bepaalde dagen van de week toe te wijzen.

Beetje bij beetje maakt Picasso van Dora Maar zijn bezit, manipuleert haar, isoleert haar, zozeer zelfs dat ze stopt met fotograferen. Tegen Dora zal de schilder deze harde woorden zeggen: “Je trekt me niet aan, ik hou niet van je. Of toch wel, zoals ik van een man houd. ” Tegenwoordig wordt vermoed dat hij haar heeft geslagen. Picasso vernederde haar dagelijks, hij sloeg haar en soms zelfs totdat ze het bewustzijn verloor. Dora Maar wordt gedegradeerd tot de rol van louter muze. Ze is echter een uitzonderlijke kunstenaar op zich.

Hun relatie bracht complexe aspecten van hun leven aan het licht, die zowel betrekking hadden op creatie als op vernietiging. Dora werd uiteindelijk opgenomen vanwege het psychologische geweld dat Picasso haar aandeed, en stierf in 1997 als een kluizenaar.

Madoura

Suzanne en Georges Ramié waren in 1938 de oprichters en drijvende krachten achter het atelier Madoura in Vallauris. Vanaf het begin gaven ze het atelier een unieke koers, gebaseerd op technische uitmuntendheid, moderne vormen en openheid voor hedendaagse kunstenaars. Na de onderbreking als gevolg van de Tweede Wereldoorlog beleefde Madoura vanaf 1946 een beslissende bloei, toen Pablo Picasso zich in Vallauris vestigde en in het atelier met keramiek begon te werken.

Suzanne Ramié speelt een centrale rol in dit avontuur: keramiste, technicus en echte dirigent van het atelier. Ze begeleidt de kunstenaars bij het uitwerken van vormen, decoraties en bakprocessen, en vertaalt ideeën naar concrete oplossingen. Georges Ramié, kunsthistoricus en bestuurder, zorgt op zijn beurt voor de structurering, de verspreiding en de institutionele erkenning van Madoura, waarbij hij toeziet op de productie, de signering en de commercialisering van de werken.

Madoura wordt een creatief laboratorium waar kunstenaars en ambachtslieden met elkaar in dialoog treden, zoals Picasso, maar ook Chagall, Miró, Braque, Matisse, Derval, Capron, Picault en vele anderen. Het atelier introduceert een nieuwe visie op keramiek, los van de hiërarchieën tussen beeldende kunst en decoratieve kunst, en speelt een doorslaggevende rol in de internationale erkenning van de hedendaagse keramiek in de 20e eeuw.

Suzanne Ramié

Picasso ontmoet Georges en Suzanne Ramié in 1946 in Vallauris ter gelegenheid van een tentoonstelling. Hij waardeert het werk van Suzanne Ramié rond traditionele vormen. Zij geeft een nieuwe invulling aan gebruiksvoorwerpen die haar als drager dienen. Het is een nieuw experimentele terrein voor Picasso, die zowel aan beschilderd glazuur als aan de plastische dimensie van keramiek gaat werken. Picasso werkt zo rechtstreeks aan stukken die door Suzanne Ramié zijn gevormd en die zij ook in zijn naam verkoopt, meestal bedekt met een subtiel glazuurmengsel in dezelfde tint.

Op basis van een door Suzanne Ramié ontworpen veldfles bedenkt Picasso een groot blauw insect. Van bolle vazen met twee oren maakt hij een vogel of een faunamasker. In een pot kerft hij een gezicht in reliëf. Op ronde schalen die typisch zijn voor het Middellandse Zeegebied schildert hij een zon of een uil. Om deze decoraties te maken, gebruikt hij soms afgedankte stukken uit het atelier. Hij verzamelt zelfs scherven, waaruit hij ‘archeologische’ fragmenten maakt. De stierengevechten zijn een belangrijk thema. Picasso schildert arena’s op ronde schalen en geeft de scène een wervelende dynamiek. Tussen 1947 en 1971 vervaardigde Picasso meer dan 3500 aardewerkstukken en talrijke meervoudige werken.

Jules Agard

Vanaf 1947 werkt Picasso regelmatig in het atelier en heeft hij een vaste pottenbaker nodig. Agard krijgt vanzelfsprekend de baan. Hij blijft 22 jaar lang “de pottenbaker van Picasso” . Als discrete maar onmisbare medewerker was Agard betrokken bij de technische uitvoering van bepaalde keramiekwerken en stukken die verband hielden met de productie van het atelier. In Madoura nam Picasso geen genoegen met het versieren van bestaande vormen. Hij transformeert de volumes, geeft voorwerpen een nieuwe bestemming en drijft de materialen tot het uiterste. De rol van Jules Agard, net als die van andere ambachtslieden in het atelier, bestaat er dan in om deze soms brutale inventiviteit te vertalen naar gebakken, solide en reproduceerbare objecten, zonder de plastische kracht ervan te verminderen. Deze samenwerking illustreert perfect de werkwijze van Picasso in Vallauris: een collectief werk, gebaseerd op dialoog, waarbij de ambachtsman een echte creatieve partner wordt ten dienste van een werk dat voortdurend opnieuw wordt uitgevonden.
Jules Agard verlaat Madoura in 1970 en wijdt zich tot het einde van zijn leven aan een eigen productie in de Poterie des Noisetiers, op het platteland van Vallauris

Robert Picault

Robert Picault, een goede vriend van Picasso, is een van de belangrijkste spelers in de heropleving van de keramiek na oorlog in de regio, en staat centraal in het keramische avontuur van Vallauris. Vanaf 1946 speelt Picault een beslissende rol door Picasso te introduceren in de kring van de pottenbakkers van Vallauris en zijn ontmoeting met Suzanne en Georges Ramié, de oprichters van het atelier Madoura, te faciliteren. Als getalenteerd fotograaf
maakte Robert Picault talrijke foto’s van Picasso’s keramiekwerken, waarmee hij dit nieuwe experimentele gebied illustreerde, waarin vorm, tekening en materiaal samenkomen.

Naast deze rol als tussenpersoon deelt Robert Picault met Picasso een gemeenschappelijke voorliefde voor vormelijke vrijheid, humor en het doorbreken van traditionele gebruiken. Zelf een inventieve keramist, neemt Picault deel aan de collectieve bruisende sfeer van Vallauris, waar kunstenaars en ambachtslieden in een klimaat van voortdurende wedijver werken. De aanwezigheid van Picault draagt bij aan het creëren van een omgeving die bevorderlijk is voor verkenning, waarin Picasso zich de keramische technieken eigen kan maken zonder academische beperkingen. Deze relatie, gebaseerd op vriendschap en vertrouwen, illustreert hoezeer het keramische werk van Picasso onlosmakelijk verbonden is met het menselijke en artistieke netwerk van Vallauris.

Jean Derval

Jean Derval neemt een belangrijke plaats in in de geschiedenis van het Madoura-atelier in Vallauris, waar hij in 1947 aankomt, precies op het moment dat Pablo Picasso er zijn keramisch werk ontwikkelt. Binnen het atelier onder leiding van Suzanne en Georges Ramié neemt Derval ten volle deel aan de creatieve bruisende sfeer die van Madoura een unieke plek maakt voor samenwerking tussen kunstenaars en ambachtslieden.

Picasso en Jean Derval werken niet rechtstreeks samen aan dezelfde stukken, maar werken zij aan zij, op basis van observatie, dialoog en wederzijdse inspiratie. Derval draagt met zijn gevoel voor volume, kleur en bakproces bij aan de kwaliteit en inventiviteit van de productie van het atelier, terwijl Picasso de gebruiken en hiërarchieën van de keramiek op zijn kop zet. Hun gelijktijdige aanwezigheid bij Madoura illustreert een uitzonderlijk moment waarop ambachtelijk vakmanschap en artistieke inventiviteit elkaar ontmoeten. Bij Madoura ontwikkelt Derval een persoonlijke stijl, gebaseerd op de stilering van vormen, de expressiviteit van het decor en een gedurfd gebruik van kleur en glazuren.

Jean Derval verlaat Madoura in 1949 om een eigen bedrijf op te zetten, terwijl hij toch verbonden blijft met de Vallauris-scene. Zijn tijd bij Madoura past dus in een beslissende periode van zijn carrière, die hem tot een van de markante figuren van de Vallauris-keramiek zal maken.

Dominique Sassi

Dominique Sassi had het enorme voorrecht om zijn carrière op 18-jarige leeftijd te beginnen in het atelier Madoura in Vallauris in 1954. Hij behoort tot die generatie ambachtelijke keramisten die actief deelnamen aan de dagelijkse gang van zaken bij Madoura tijdens de periode dat Pablo Picasso er werkte. Hij zal vooral bijdragen aan de ontwikkeling van de producties van het atelier onder leiding van Suzanne en Georges Ramié. De rol van Dominique Sassi is voornamelijk technisch en operationeel: het vormen van het klei, het voorbereiden van de kleimassa, ingrijpen bij het bakken en het controleren van de glazuren. In die tijd functioneert Madoura als een zeer gespecialiseerd collectief atelier, waar elke ambachtsman over een specifieke vakkennis beschikt ten dienste van vaak experimentele vormen.
De aanwezigheid van Picasso stelt bijzondere eisen: late wijzigingen, herstelwerk na het bakken, variaties in glazuur of decoratie. Ambachtslieden zoals Sassi zorgen voor de materiële haalbaarheid van dit onderzoek, in een voortdurende dialoog tussen artistieke inventiviteit en technische beperkingen. Het werk van Dominique Sassi past volledig in de productieketen die de verwezenlijking mogelijk maakt van de originele keramiekwerken en de Picasso-edities uit het begin van de jaren 1950.

De lithografie

De lithografie neemt een essentiële plaats in in het werk van Pablo Picasso, omdat deze techniek hem in staat stelt een manier van tekenen te verkennen die tegelijkertijd vrij, direct en experimenteel is. Deze techniek, uitgevonden aan het einde van de 18e eeuw, berust op het principe van de afstoting tussen water en vet. De kunstenaar tekent op een kalksteen met een vetpotlood of inkt, waarna de afbeelding op papier wordt afgedrukt. In tegenstelling tot de gravure maakt lithografie een gebaar mogelijk dat heel dicht bij het tekenen ligt, bijna spontaan, wat perfect aansluit bij de creatieve energie van Picasso.
Picasso wijdt zich hier vooral aan vanaf de jaren 1940, met name dankzij zijn samenwerking met de drukker Fernand Mourlot in Parijs. In het atelier van Mourlot ontdekt hij alle mogelijkheden van de techniek en verlegt hij de grenzen ervan. Hij neemt geen genoegen met het gebruik van de lithografie als louter reproductiemiddel. Hij maakt er een waar experimenteerterrein van. Hij werkt rechtstreeks op de steen, past de afbeelding tijdens het proces aan en drukt verschillende opeenvolgende versies van dezelfde compositie af, waardoor de evolutie van zijn werk stap voor stap kan worden gevolgd. De lithografie wordt zo zowel een instrument voor visuele analyse als een uitingsmiddel.

In zijn lithografieën speelt Picasso met de contrasten tussen zwart en wit, de lijn en het oppervlak, het volle en het lege. Hij maakt ook gebruik van de mogelijkheid om meerdere exemplaren te vervaardigen, wat een bredere verspreiding van zijn werk mogelijk maakt, met behoud van een hoge artistieke kwaliteit. Door middel van deze techniek toont hij eens te meer zijn vermogen om traditionele praktijken te vernieuwen en er moderne, vrije en inventieve vormen van te maken.

Fernand Mourlot

Vanaf 1945 raakt Pablo Picasso sterk geïnteresseerd in de lithografie. In dat jaar ontmoet hij Fernand Mourlot, een meester-lithograaf uit Parijs die hem de kneepjes van het vak bijbrengt. Zoals bij elke kunstvorm die hij beoefent, drukt Picasso zijn persoonlijke stempel op de lithografie. Franck Bordas, kleinzoon van Mourlot, getuigt: « In enkele maanden tijd, waarin hij bijna dagelijks bij zijn drukker aanwezig was, heeft Pablo Picasso de lithografie, een vrij klassieke techniek, volledig gemoderniseerd. ‘s Avonds thuis maakte hij afdrukken, overdag bewerkte hij de stenen. Hij werkte ook op zinkplaten. In feite maakte hij gebruik van alle technieken van de lithografie met uitvindingen die de technici de stuipen op het lijf joegen, maar die wel werkten”. De beroemde Colombe de la Paix is een lithografie die op zink is gemaakt en met petroleum is bewerkt, een product dat in de lithografie volstrekt verboden is.

In zijn lithografieën gebruikt Picasso alle nuances van zwart om zijn modellen een psychologische diepgang te geven. Hij maakt gebruik van alle intensiteiten, van de volledig ingekleurde achtergrond die de tekening lichtjes doet uitkomen tot de eenvoudige potloodstreek bedoeld om een gezicht of een vorm te schetsen. De nuances van zwart bieden Picasso evenveel mogelijkheden als de kleuren. Pierre Daix spreekt van “gegraveerde schilderkunst”.

NIVEAU 2 – dakconstructie

Franco

De relatie tussen Pablo Picasso en het regime van Franco wordt gekenmerkt door een radicale tegenstelling. Picasso, die na de Spaanse Burgeroorlog diep vijandig stond tegenover het franquisme, weigert terug te keren naar Spanje zolang Franco aan de macht is. In ballingschap in Frankrijk wordt Picasso een symbolische figuur van het verslagen republikeinse Spanje. Tot aan zijn dood in 1973 houdt hij een onverzettelijke afstand tot het Franco-regime, waardoor zijn kunst een ruimte van moreel en symbolisch verzet wordt.

Guernica hekelt in zwart-wit het nazibombardement op het kleine Baskische stadje. Er zijn talrijke traditionele Spaanse symbolen. De stier en het paard roepen een metaforische stierengevecht op. Picasso weigert categorisch naar Spanje terug te keren zolang Franco leeft. Hij verklaart dat “schilderkunst niet bedoeld is om appartementen te versieren; het is een offensief en defensief wapen tegen de vijand.” Het Franco-regime probeert het werk echter postuum voor eigen doeleinden te gebruiken en organiseert tentoonstellingen ondanks zijn antifranquistische overtuigingen.

Miró symboliseert het stille verzet. In 1937 creëert hij El Segador voor het Spaanse paviljoen op de Wereldtentoonstelling. Het is een opstandige Catalaanse boer met sikkel en traditionele muts, een ware metafoor voor het volksverzet. Miró beleefde een “binnenlands ballingschap” op Mallorca tijdens de Franco-periode. Zijn Catalonië was “dubbel getroffen”. De Catalaanse taal was er verboden en de politieke autonomie afgeschaft. Miró bleef discreet maar standvastig antifranquistisch.

In tegenstelling tot Picasso en Miró was Dalí de controversiële en openlijke medewerker.
Hij verklaarde namelijk publiekelijk dat Franco de “grootste levende held van Spanje” was. Dalí werd in 1956 persoonlijk in het paleis ontvangen en in 1964 onderscheiden met het Grootkruis van Isabella de Katholieke. Hij ging zelfs zo ver dat hij bij de dood van de dictator in 1975 “meer huilde dan hij om zijn moeder had gehuild” . Dit illustreert zijn metafysische fascinatie voor de “mythische figuren” van de absolute macht, die boven conventionele morele overwegingen uitstijgt.