Eingangshalle

Es gibt einen Picasso jenseits der Malerei. Dieser Ausstellung widmet sich dieser wenig bekannten Facette des immensen Schaffens des Meisters aus Málaga. Der Rundgang enthüllt eine wichtige und wenig bekannte Facette des Werks von Pablo Picasso: den kreativen Geist, der die grafischen Künste, die Fotografie und die Keramik umgibt. Picasso schätzt das Neue und das Lernen sehr. Picasso wird unbestreitbar zum Meister des Experimentierens, begeistert von Innovation und formaler Freiheit. Die grafischen Künste, die Keramik, die Fotografie oder die Illustration zeugen von diesen Lernwegen, die Picasso so gerne beschreitet. 

Picasso schreibt: „Ich mache immer das, was ich nicht kann, um es lernen zu können“. Er sucht unermüdlich nach dem klugen Weg, sich mit dem Wesen des Lernens auseinanderzusetzen. Es steht fest, dass man Fortschritte macht, indem man es immer besser macht und über das hinausgeht, was man bereits beherrscht. Wahre Entwicklung liegt darin, mit dem konfrontiert zu werden, was uns entgleitet. Es bedeutet, sich all jenen Dingen anzunähern, die man nicht kontrollieren kann, die uns aber, sobald wir sie gemeistert haben, versprechen, uns zu verwandeln. Picasso widmet sich zahlreichen künstlerischen Formen und bleibt stets offen für neue Entdeckungen und neue Kooperationen. So wird sein Werk nicht nur durch neue Techniken und Stile bereichert, sondern auch durch neue künstlerische Formen.

Gekreuzte Schicksale 

Die Ausstellung taucht zudem in die Geschichte dreier symbolträchtiger Persönlichkeiten der Kunst des 20. Jahrhunderts ein, die eng mit Pablo Picasso verbunden waren: Joan Miró, Salvador Dalí und Dora Maar. Ihre Leben und Werke haben sich im Laufe des Jahrhunderts verflochten, geprägt von Zufällen, Begegnungen, Einflüssen und manchmal auch Gegensätzen. Sie alle haben tiefe Spuren in der Geschichte der modernen Kunst hinterlassen, und ihre Lebenswege, obwohl einzigartig, offenbaren eine faszinierende Konstellation von Verbindungen. Um Picassos Werdegang zu beleuchten, erzählt Ihnen die Ausstellung von ihren sich kreuzenden Schicksalen. Denn zwischen Bewunderung, gegenseitiger Inspiration, künstlerischen oder politischen Rivalitäten pflegten diese vier Persönlichkeiten komplexe Beziehungen. Sie werden ihre gemeinsamen Wege entdecken, sowohl die Orte, an denen sie schufen, als auch ihr Engagement, ihre Freundschaften oder Meinungsverschiedenheiten und die Themen, die sie teilten.

Unaufhörlich schaffen

Pablo Picasso verspürte ein lebenswichtiges Bedürfnis zu schaffen, eine fast körperliche Dringlichkeit, unermüdlich zu arbeiten. Für ihn war der Schaffensakt weder ein Beruf noch eine Disziplin, sondern eine innere Notwendigkeit, eine Art, in der Welt zu existieren. Zeichnen, Malen, Bildhauen oder Gravieren bestimmten den Rhythmus seiner Tage wie ein ununterbrochener Atemzug. Picasso suchte nicht nach Inspiration: Er weckte sie durch die Arbeit, überzeugt davon, dass der schöpferische Elan aus der wiederholten Geste und dem ständigen Experimentieren entstand. Diese produktive Raserei, geprägt von Zweifeln, Brüchen und Neuanfängen, war der Motor seines Schaffens und einer der Schlüssel zu seinem Genie.

Um dieses grundlegende Bedürfnis nach Schaffen zu stillen, musste Picasso seinen kreativen Geist unaufhörlich nähren. Er musste sein Umfeld ständig erneuern, um unermüdlich neue Inspiration zu wecken. Seine zahlreichen Umzüge, sein vielseitiges Interesse, das von der Malerei bis zur Keramik reichte, seine zahlreichen Eroberungen bei Frauen mit so gegensätzlichen Charakteren, die Vielfalt der Themen und seine aufeinanderfolgenden stilistischen Umbrüche waren allesamt Mittel, um seine Kreativität zu regenerieren und nicht in Bequemlichkeit zu verfallen.

Zeitleiste

1881: Geburt von Pablo Picasso in Málaga. Er wächst dank seines Vaters, eines Zeichenlehrers, in einem künstlerischen Umfeld auf.

1895: Umzug der Familie nach Barcelona. Picasso tritt in die Kunstakademie ein und zeigt bereits außergewöhnliches Können.

1897–1898: Studium in Madrid, wo er im Prado-Museum die großen Meister entdeckt, sich jedoch schnell vom Akademismus abwendet.

1900: Erste Reise nach Paris, dem bedeutenden Kunstzentrum.

1901–1904: Blaue Periode, geprägt vom Tod seines Freundes Casagemas; melancholische, von Blau dominierte Gemälde.

1904–1906: Rosa Periode; Einzug ins Bateau-Lavoir, Künstlerleben in Montmartre, Themen rund um den Zirkus und die Gaukler. Beginn seiner Beziehung zu Fernande Olivier (um 1904).

1907: Entstehung der „Demoiselles d’Avignon“, einem revolutionären Werk, das den Weg für den Kubismus ebnet.

1908–1912: Analytischer Kubismus, gemeinsam mit Georges Braque entwickelt; Fragmentierung der Formen und Vervielfachung der Blickwinkel.

1912–1919: Synthetischer Kubismus; Erfindung der Collage und Rückkehr zu Farbe und besser erkennbaren Formen. Beziehung zu Eva Gouel (ab 1912).

1918: Heirat mit Olga Khokhlova; klassischere Phase in seiner Malerei.

1920er–1930er Jahre: Stilvielfalt; verzerrte Figuren, surrealistische Einflüsse, expressive Spannungen. Begegnung und Beziehung mit Marie-Thérèse Walter (ab 1927).

1936–1943: Beziehung zu Dora Maar, die insbesondere die Entstehung von Guernica dokumentiert.

1937: Entstehung von Guernica für die Weltausstellung in Paris; bedeutendes Werk gegen den Krieg.

1940–1944: Verbleibt während der deutschen Besatzung in Paris; schwierige, aber stets kreative Zeit.

1943–1953: Beziehung zu Françoise Gilot.

1946: Niederlassung in Südfrankreich, insbesondere in Antibes; neues Licht in seinem Werk.

1948–1955: Arbeit in Vallauris, Zusammenarbeit mit dem Atelier Madoura (Suzanne Ramié); bedeutende Entwicklung der Keramik.

1953–1973: Beziehung zu Jacqueline Roque, die er 1961 heiratet.

1950er–1960er Jahre: zahlreiche Variationen rund um die großen Meister (Velázquez, Manet…), freie und einfallsreiche Malerei.

1961: Umzug nach Mougins mit Jacqueline Roque, seiner letzten Lebensgefährtin.

1973: Tod Picassos in Mougins; er hinterlässt ein immenses Werk, das die Kunstgeschichte tiefgreifend verändert hat. 

EBENE 0 – Erdgeschoss

Picasso und die Frauen

Picassos Beziehungen zu Frauen sind oft von komplexen psychologischen Dynamiken geprägt. Er projiziert seine eigenen Kämpfe auf sie. Er wechselt ständig zwischen Liebe und Leid hin und her. Picasso erforscht gleichzeitig die Themen Leidenschaft und Liebeskummer. 

Picasso geht zahlreiche Beziehungen zu Frauen ein: Fernande Olivier, Olga Khokhlova, Marie-Thérèse Walter, Dora Maar, Françoise Gilot, Jacqueline Roque, um nur die wichtigsten zu nennen. Als Triebkräfte seiner Kreativität ermöglichen ihm diese Begegnungen, eine sich stets erneuernde Ästhetik zu entwickeln. Seine verschiedenen Stilphasen, vom Kubismus bis hin zu abstrakteren Schaffensphasen, zeugen von einem ständigen Streben, das Wesen der Frau zu erfassen. Von seiner Mutter bis hin zu seinen Ehefrauen und Lebensgefährtinnen spielt jede Frau eine einzigartige Rolle bei der Prägung seiner Kunst und seiner Identität. Ihr Einfluss ging über die reine Inspiration hinaus. Sie waren kreative Partnerinnen. Diese Frauen nährten seine Kreativität, ermöglichten ihm, neue künstlerische Wege zu erkunden, und hinterließen einen unauslöschlichen Abdruck in seinem Werk. 

Im Gegensatz zu Miró und Dalí ist die Frau für Pablo Picasso eine Inspirationsquelle, die man ausschöpft, und ein Objekt, das man misshandelt und dominiert. Picasso verbirgt in der Tat eine dunkle Seite. Die eines Mannes, der manipulativ, grausam und gewalttätig gegenüber seinem Umfeld ist, insbesondere gegenüber den Frauen, die sein Leben teilten. Picassos Leben ist geprägt von Eroberungen und Taten von großer Brutalität.

Picasso verband sich selbst mit dem Bild eines Minotaurus, monströs und wild, der die Frauen in seiner Umgebung beherrschte. In der griechischen Mythologie ist der Minotaurus ein Fabelwesen mit dem Körper eines Mannes und dem Kopf eines Stiers, das von Minos im Labyrinth eingesperrt wurde. Der Minotaurus ist eine wiederkehrende Figur in seinem Werk, ebenso wie die Tötung von Stieren bei Stierkämpfen. Das mythische Ungeheuer wird stets dargestellt, wie es eine Frau überwältigt. Er malt also die Gewalt und Grausamkeit, die er seinen Partnerinnen antut. Aber er bemüht sich auch, deren potenzielle künstlerische Karrieren zu zerstören. Fernande und ihr Beruf als Modell, Olga und der klassische Tanz, Dora und die Fotografie, Françoise und die Malerei. Letztere schrieb: „Als ich anfing, Erfolg zu haben, nahm er das übel.“ 

Dora Maar 

Pablo Picasso lernte Dora Maar 1935 dank des surrealistischen Dichters Paul Éluard kennen. Doras Präsenz – intellektuell, spirituell, geheimnisvoll und zutiefst surrealistisch – weckt sofort Picassos Interesse. Als äußerst unabhängige und politisch engagierte Frau, als in Surrealistenkreisen anerkannte Fotografin steht Dora Man Ray, Brassaï und André Breton nahe. Von ihrer ersten Begegnung an ist Picasso von ihrem scharfen Verstand und ihrem künstlerischen Talent fasziniert.

Sie bot ihm etwas radikal anderes: emotionale Tiefe und eine intensive intellektuelle Verbindung. Die Beziehung zu Dora Maar war eine innige Verbindung, in der sich Leidenschaft, Schmerz und kreative Intensität vermischten. Sie hatte tiefgreifende Auswirkungen auf ihre Kunst, ihre Psyche und ihre jeweilige Identität. Dora Maar fotografierte zudem regelmäßig Picassos Schaffensprozess, insbesondere während der Entstehung von Guernica.

Dora ist eine Quelle intellektueller Inspiration und eine kreative Mitgestalterin. Im Gegensatz zu seinen früheren Partnerinnen, die oft nur einfache Modelle oder passive Zuschauerinnen waren, verfügt Dora über einen kreativen Geist, der dem Picassos in nichts nachsteht. Sie wird zu seiner Lieblings-„Muse“, doch er hat Marie-Thérèse deswegen nicht verlassen. Picasso führt ein Doppelleben, das er nicht einmal zu verbergen versucht; er zögert nicht, beide in den Urlaub mitzunehmen – die eine in ein Hotel, die andere in ein anderes – und widmet jeder von ihnen bestimmte Tage der Woche.

Nach und nach macht Picasso Dora Maar zu seinem Spielball, manipuliert sie, isoliert sie, so sehr, dass sie mit der Fotografie aufhört. Zu Dora findet der Maler diese harten Worte: „Du ziehst mich nicht an, ich liebe dich nicht. Oder doch, so wie ich einen Mann liebe. “ Man vermutet heute, dass er sie geschlagen hat. Picasso demütigte sie täglich, er schlug sie, manchmal sogar so lange, bis sie das Bewusstsein verlor. Dora Maar wird auf die Rolle einer bloßen Muse reduziert. Dabei ist sie eine außergewöhnliche Künstlerin aus eigenem Recht. 

Ihre Beziehung offenbarte komplexe Aspekte ihres Lebens, die sowohl das Schöpferische als auch das Zerstörerische betrafen. Dora wurde schließlich aufgrund der von Picasso ausgeübten psychischen Gewalt in eine Anstalt eingewiesen und starb 1997 zurückgezogen. 

Madoura

Suzanne und Georges Ramié waren 1938 die Gründer und Leiter des Ateliers Madoura in Vallauris. Von Anfang an gaben sie dem Atelier eine einzigartige Ausrichtung, die auf technischer Exzellenz, modernen Formen und der Offenheit gegenüber zeitgenössischen Künstlern beruhte. Nach der Unterbrechung durch den Zweiten Weltkrieg erlebte Madoura ab 1946 einen entscheidenden Aufschwung, als Pablo Picasso sich in Vallauris niederließ und begann, im Atelier mit Keramik zu arbeiten.

Suzanne Ramié spielt in diesem Abenteuer eine zentrale Rolle: als Keramikerin, Technikerin und wahre Dirigentin des Ateliers. Sie begleitet die Künstler bei der Entwicklung von Formen, Dekoren und Brennverfahren und setzt Ideen in konkrete Lösungen um. Georges Ramié, Kunsthistoriker und Verwalter, sorgt seinerseits für die Strukturierung, Verbreitung und institutionelle Anerkennung von Madoura und kümmert sich um die Herausgabe, Signatur und Vermarktung der Werke.

Madoura wird zu einem kreativen Labor, in dem Künstler und Handwerker wie Picasso, aber auch Chagall, Miró, Braque, Matisse, Derval, Capron, Picault und viele andere. Das Atelier setzt eine neue Vision der Keramik durch, losgelöst von den Hierarchien zwischen bildender Kunst und dekorativer Kunst, und spielt eine entscheidende Rolle bei der internationalen Anerkennung der zeitgenössischen Keramik im 20. Jahrhundert.

Suzanne Ramié

Picasso lernt Georges und Suzanne Ramié 1946 in Vallauris anlässlich einer Ausstellung kennen. Er schätzt Suzanne Ramiés Arbeit mit traditionellen Formen. Sie wandelt Gebrauchsgegenstände um, die ihr als Träger dienen. Für Picasso ist dies ein neues Experimentierfeld, auf dem er sich sowohl mit bemalten Glasuren als auch mit der plastischen Dimension der Keramik auseinandersetzt. So arbeitet Picasso direkt an von Suzanne Ramié geformten Stücken, die sie auch in seinem Namen verkauft, meist überzogen mit einer subtilen Glasurmischung in einheitlicher Farbgebung.

Ausgehend von einer von Suzanne Ramié entworfenen Flasche erfindet Picasso ein großes blaues Insekt. Aus bauchigen Vasen mit zwei Henkeln macht er einen Vogel oder eine Faunmaske. In einen kleinen Topf graviert er ein Gesicht. Auf für den Mittelmeerraum typischen runden Platten malt er eine Sonne oder eine Eule. Um diese Dekore zu schaffen, verwendet er manchmal Ausschussstücke aus dem Atelier. Er sammelt sogar Scherben, aus denen er „archäologische“ Fragmente macht. Der Stierkampf ist ein Hauptthema. Picasso malt Arenen auf runde Platten und verleiht der Szene eine wirbelnde Dynamik. Zwischen 1947 und 1971 schuf Picasso mehr als 3500 Tonarbeiten und zahlreiche Mehrfachwerke. 

Jules Agard

Ab 1947 arbeitete Picasso regelmäßig im Atelier und benötigte einen festen Töpfer. Agard erhielt ganz selbstverständlich diese Stelle. Er blieb 22 Jahre lang „Picassos Töpfer“ “. Als zurückhaltender, aber unverzichtbarer Mitarbeiter war Agard an der technischen Umsetzung bestimmter Keramiken und Stücke beteiligt, die mit der Produktion des Ateliers in Verbindung standen. In Madoura begnügte sich Picasso nicht damit, bestehende Formen zu verzieren. Er verwandelt die Volumen, verändert die Verwendungszwecke und treibt die Materialien bis an ihre Grenzen. Die Rolle von Jules Agard, wie die anderer Handwerker des Ateliers, besteht darin, diese manchmal brutale Erfindungsgabe in gebrannte, solide und reproduzierbare Objekte umzusetzen, ohne deren plastische Kraft zu mindern. Diese Zusammenarbeit veranschaulicht perfekt Picassos Arbeitsweise in Vallauris: eine kollektive Arbeit, die auf Dialog basiert, bei der der Handwerker zu einem echten kreativen Partner im Dienste eines sich ständig neu erfindenden Werks wird.

Jules Agard verlässt Madoura 1970 und widmet sich bis zu seinem Lebensende einer eigenen Produktion in der Poterie des Noisetiers auf dem Land bei Vallauris

Robert Picault

Als enger Freund Picassos ist Robert Picault einer der wesentlichen Akteure der Erneuerung der Keramikkunst nach Kriegs in der Region und steht im Mittelpunkt des Keramikabenteuers von Vallauris. Ab 1946 spielt Picault eine entscheidende Rolle, indem er Picasso in den Kreis der Töpfer von Vallauris einführt und seine Begegnung mit Suzanne und Georges Ramié, den Gründern des Ateliers Madoura, ermöglicht. Als talentierter Fotograf macht Robert Picault zahlreiche Aufnahmen von Picassos Keramiken und dokumentiert so dieses neue Experimentierfeld, in dem Form, Zeichnung und Material miteinander verschmelzen.

Über diese Vermittlerrolle hinaus teilt Robert Picault mit Picasso eine gemeinsame Vorliebe für formale Freiheit, Humor und das Überschreiten traditioneller Konventionen. Als selbst erfinderischer Keramiker beteiligt sich Picault an der kollektiven Aufbruchstimmung in Vallauris, wo Künstler und Handwerker in einem Klima ständiger gegenseitiger Inspiration arbeiten. Picaults Anwesenheit trägt dazu bei, ein Umfeld zu schaffen, das der Erforschung förderlich ist und in dem Picasso sich die keramischen Techniken ohne akademische Zwänge aneignen kann. Diese auf Freundschaft und Vertrauen basierende Beziehung verdeutlicht, wie untrennbar Picassos keramisches Werk mit dem menschlichen und künstlerischen Netzwerk von Vallauris verbunden ist.

Jean Derval

Jean Derval nimmt einen wichtigen Platz in der Geschichte des Ateliers Madoura in Vallauris ein, wo er 1947 eintraf, genau zu der Zeit, als Pablo Picasso dort sein keramisches Werk entwickelte. In dem von Suzanne und Georges Ramié geleiteten Atelier nahm Derval voll und ganz an der kreativen Blüte teil, die Madoura zu einem einzigartigen Ort der Zusammenarbeit zwischen Künstlern und Kunsthandwerkern machte.

Picasso und Jean Derval arbeiten nicht direkt gemeinsam an denselben Stücken, sondern Seite an Seite, basierend auf Beobachtung, Dialog und gegenseitiger Inspiration. Derval trägt durch sein Gespür für Volumen, Farbe und Brenntechnik zur Qualität und zum Erfindungsreichtum der Atelierproduktion bei, während Picasso die Gepflogenheiten und Hierarchien der Keramikkunst auf den Kopf stellt. Ihre gleichzeitige Anwesenheit bei Madoura veranschaulicht einen außergewöhnlichen Moment, in dem handwerkliches Können und künstlerische Erfindung aufeinander treffen. Bei Madoura entwickelt Derval eine persönliche Formensprache, die auf der Stilisierung der Formen, der Ausdruckskraft der Verzierung und einem kühnen Einsatz von Farbe und Glasuren beruht.

Jean Derval verlässt Madoura 1949, um sich selbstständig zu machen, bleibt dabei aber dem Umfeld von Vallauris verbunden. Seine Zeit bei Madoura fällt somit in eine entscheidende Phase seiner Karriere, die ihn zu einer der prägenden Figuren der Keramikkunst von Vallauris macht.

Dominique Sassi

Dominique Sassi hatte das große Privileg, seine Karriere 1954 im Alter von 18 Jahren im Atelier Madoura in Vallauris zu beginnen. Er gehört zu jener Generation von Keramikern, die während der Zeit, in der Pablo Picasso dort arbeitete, aktiv am täglichen Betrieb von Madoura beteiligt waren. Vor allem wird er unter der Leitung von Suzanne und Georges Ramié an der Entwicklung der Atelier-Editionen mitwirken. Die Rolle von Dominique Sassi ist im Wesentlichen technischer und operativer Natur: Formgebung, Vorbereitung der Massen, Eingriffe beim Brennen und Überwachung der Glasuren. Zu dieser Zeit funktioniert Madoura als hochspezialisiertes Kollektivatelier, in dem jeder Handwerker über ein präzises Know-how verfügt, das oft experimentellen Formen dient. Die Anwesenheit Picassos stellte besondere Anforderungen: späte Änderungen, Nachbesserungen nach dem Brennen, Variationen bei Glasur oder Dekor. Handwerker wie Sassi stellten die materielle Umsetzbarkeit dieser Experimente sicher, in einem ständigen Dialog zwischen künstlerischer Erfindung und technischen Zwängen. Die Arbeit von Dominique Sassi fügt sich nahtlos in die Produktionskette ein, die die Herstellung der Originalkeramiken und der Picasso-Editionen der frühen 1950er Jahre ermöglichte. 

Die Lithografie

Die Lithografie nimmt im Werk von Pablo Picasso einen wesentlichen Platz ein, da sie ihm ermöglicht, eine freie, direkte und experimentelle Art des Zeichnens zu erforschen. Diese Technik, die Ende des 18. Jahrhunderts erfunden wurde, beruht auf dem Prinzip der Abstoßung zwischen Wasser und Fett. Der Künstler zeichnet mit einem Fettstift oder Tinte auf einen Kalkstein, anschließend wird das Bild auf Papier gedruckt. Im Gegensatz zur Radierung ermöglicht die Lithografie eine dem Zeichnen sehr nahekommende, fast spontane Gestik, was perfekt zu Picassos kreativer Energie passt.

Picasso widmet sich ihr besonders ab den 1940er Jahren, insbesondere dank seiner Zusammenarbeit mit dem Drucker Fernand Mourlot in Paris. Im Atelier Mourlot entdeckt er alle Möglichkeiten der Technik und lotet deren Grenzen aus. Er begnügt sich nicht damit, die Lithografie als bloßes Reproduktionsmittel zu nutzen. Er verwandelt sie in ein wahres Experimentierfeld. Er arbeitet direkt auf dem Stein, verändert das Bild während der Entstehung, druckt mehrere aufeinanderfolgende Zustände derselben Komposition, was es ermöglicht, die Entwicklung seiner Arbeit Schritt für Schritt nachzuvollziehen. Die Lithografie wird so sowohl zu einem Werkzeug der visuellen Analyse als auch zu einem Ausdrucksmittel.

In seinen Lithografien spielt Picasso mit den Kontrasten zwischen Schwarz und Weiß, Linie und Fläche, Fülle und Leere. Er nutzt auch die Möglichkeit, die Auflage zu vervielfachen, was eine breitere Verbreitung seines Werks ermöglicht, ohne dabei an künstlerischer Qualität einzubüßen. Durch diese Technik beweist er einmal mehr seine Fähigkeit, traditionelle Praktiken zu erneuern und sie in moderne, freie und einfallsreiche Formen zu verwandeln.

Fernand Mourlot

Ab 1945 interessiert sich Pablo Picasso intensiv für die Lithografie. In diesem Jahr lernt er Fernand Mourlot kennen, einen Pariser Meisterdrucker und Lithografen, der ihm die Feinheiten des Handwerks beibringt. Wie bei jeder Kunstform, die er ausübt, prägt Picasso auch die Lithografie mit seiner persönlichen Handschrift. Franck Bordas, Mourlots Enkel, berichtet: „Innerhalb weniger Monate, in denen er fast täglich bei seinem Drucker zu Gast war, hat Pablo Picasso die Lithografie, eine eher klassische Technik, vollständig modernisiert. Abends zu Hause fertigte er Transferpapiere an, tagsüber bearbeitete er die Steine. Er arbeitete auch auf Zinkplatten. Im Grunde nutzte er alle Techniken der Lithografie mit Erfindungen, die den Technikern Angst machten, aber funktionierten“. Die berühmte Colombe de la Paix ist eine Lithografie, die auf Zinkplatte angefertigt und mit Petroleum bearbeitet wurde, einem in der Lithografie völlig verbotenen Produkt. 

In seinen Lithografien nutzt Picasso alle Schwarztöne, um seinen Motiven eine psychologische Tiefe zu verleihen. Er setzt alle Intensitätsstufen ein, vom vollständig kolorierten Hintergrund, der die Zeichnung leicht hervorhebt, bis hin zum einfachen Strich, der dazu dient, ein Gesicht oder eine Form zu skizzieren. Die Schwarztöne bieten Picasso ebenso viele Möglichkeiten wie die Farben. Pierre Daix spricht von „gravierter Malerei“.

EBENE 2 DACHSTUHL

Franco

Die Beziehung zwischen Pablo Picasso und dem Franco-Regime ist von radikaler Opposition geprägt. Picasso, der dem Franco-Regime nach dem spanischen Bürgerkrieg zutiefst feindlich gesinnt war, weigerte sich, nach Spanien zurückzukehren, solange Franco an der Macht war. Im Exil in Frankreich wird Picasso zu einer Symbolfigur des besiegten republikanischen Spaniens. Bis zu seinem Tod im Jahr 1973 hielt er unnachgiebigen Abstand zum Franco-Regime und machte seine Kunst zu einem Raum des moralischen und symbolischen Widerstands.

Guernica prangert in Schwarz-Weiß die Bombardierung der kleinen baskischen Stadt durch die Nazis an. Es gibt zahlreiche traditionelle spanische Symbole. Der Stier und das Pferd erinnern an eine metaphorische Stierkampfszene. Picasso weigert sich kategorisch, nach Spanien zurückzukehren, solange Franco lebt. Er erklärt, dass die „Malerei nicht dazu da ist, Wohnungen zu schmücken; sie ist eine Offensiv- und Defensivwaffe gegen den Feind.“ Das Franco-Regime versuchte jedoch, ihn posthum für sich zu vereinnahmen, und organisierte trotz seiner antifranquistischen Überzeugungen Ausstellungen.

Miró symbolisiert den stillen Widerstand. 1937 schuf er El Segador für den spanischen Pavillon der Weltausstellung. Es handelt sich um einen rebellierenden katalanischen Bauern mit Sichel und traditioneller Mütze, eine wahre Metapher für den Widerstand des Volkes. Miró lebte während der Franco-Zeit auf Mallorca in einem „inneren Exil“. Sein Katalonien war „doppelt getroffen“. Die katalanische Sprache war dort verboten und die politische Autonomie abgeschafft. Miró behielt ein diskretes, aber beständiges antifranquistisches Engagement bei. 

Im Gegensatz zu Picasso und Miró war Dalí der umstrittene und bekennende Kollaborateur. Er erklärte öffentlich, Franco sei der „größte lebende Held Spaniens“. Dalí wurde 1956 persönlich im Palast empfangen und 1964 mit dem Großkreuz der Isabella der Katholischen ausgezeichnet. Er ging sogar so weit, den Tod des Diktators 1975 „mehr zu beweinen als den seiner Mutter“ . Dies verdeutlicht seine metaphysische Faszination für die „mythischen Figuren“ der absoluten Macht, jenseits konventioneller moralischer Überlegungen.